Benny Goodman Sing Sing Sing from Hollywood Hotel

Benny Goodman, El rey del swing

Benjamin David Goodman (Chicago, 30 de mayo de 1909 – Nueva York, 13 de junio de 1986), conocido como Benny Goodman, fue un clarinetista y director de orquesta estadounidense de jazz.
Conocido como El rey del swing, es, junto con Glenn Miller y Count Basie, el representante más popular de este estilo jazzístico e iniciador de la llamada era del swing. Una de sus canciones más famosas es "Sing, sing, sing (with a swing)", empleada en múltiples bandas sonoras y obras de teatro y musicales.

Comienzos de su carrera

<sup>Goodman, noveno de doce hermanos e hijo de emigrantes judíos procedentes de Polonia, nació en Chicago, donde vivían en el barrio Maxwell Street. Su padre, David Goodman, era sastre procedente de Varsovia, su madre Dora Rezinski, era de Kaunas. Sus padres se conocieron en Baltimore, Maryland y se trasladaron a Chicago antes de que naciera Benny.Comenzó a tocar el clarinete a la edad de diez años en la sinagoga, tras lo que se unió a una banda local. Hizo su debut profesional a los doce años y abandonó la escuela a los catorce para hacerse músico profesional.

A los 16 años, en agosto de 1925, se unió a la banda de Ben Pollack, con la que hizo sus primeras grabaciones en diciembre de 1926. Sus primeras grabaciones bajo su propio nombre las realizó en enero de 1928. A los 20 años, en septiembre de 1929, abandonó a Pollack para dirigirse a Nueva York donde trabajó como músico independiente, trabajando en sesiones de grabación, espectáculos radiofónicos y en las orquestas de los musicales de Broadway. Hizo también grabaciones bajo su propio nombre con orquestas alquiladas, alcanzando grandes éxitos con "He's Not Worth Your Tears" (cantada por Scrappy Lambert) en Melotone Records en enero de 1931. Firmó con Columbia Records en el invierno de 1934 y alcanzó el top ten a comienzos de 1934 con "Ain't Cha Glad?" (cantada por Jack Teagarden), "Riffin' the Scotch" (cantada por Billie Holiday) y "Ol' Pappy" (cantada por Mildred Bailey), y en primavera con "I Ain't Lazy, I'm Just Dreamin'" (cantada por Jack Teagarden).</sup>

The Artist

Fred Astaire, Ginger Rogers And Judy Garland

Está particularmente asociado con Ginger Rogers, con quien hizo diez películas que ... Fred Astaire conoció a George Gershwin, que estaba trabajando como " song .... Con Judy Garland cantó "A Couple of Swells" de Irving Berlin en Easter ...
Mueller resume las capacidades de Rogers como sigue: "Rogers sobresalía entre las parejas de Astaire no porque fuera superior a otras como bailarina sino porque, como una actriz intuitiva y hábil, ella era suficientemente cautelosa para darse cuenta que la interpretación no acababa cuando el baile comenzaba ... la razón por la que muchas mujeres han fantaseado con bailar con Fred Astaire es que Ginger Rogers transmitía la impresión de que bailar con él es la experiencia más emocionante imaginable." Según Astaire, "Ginger nunca había bailado con una pareja anteriormente. Ella lo fingió muchísimo. No sabía hacer claqué y no sabía hacer esto y aquello ... pero Ginger tenía estilo y talento y lo mejoró mientras le acompañaba. Lo entendió tanto que después de un tiempo cualquiera que bailaba conmigo me parecía mal."

Tommy Dorsey & His Orchestra Feat. Frank Sinatra

Thomas Francis "Tommy" Dorsey, Jr. (19 noviembre 1905 hasta 26 noviembre 1956 ) era un americano jazz trombonista , trompetista , compositor y director de orquesta de la Big Band era.  Era conocido como "El Caballero de Sentimental Swing", debido a su forma de tocar el trombón en tonos suaves.  A pesar de que no era conocido por ser un solista notable, su habilidad técnica en el trombón le dio renombre entre otros músicos. Él era el hermano menor del líder de la banda de Jimmy Dorsey . Después de Dorsey rompió con su hermano en la década de 1930, lideró una banda muy popular y de gran éxito desde finales de 1930 a la década de 1950. Thomas Francis Dorsey, Jr., nació en Shenandoah, Pennsylvania, el segundo de los cuatro hijos de Thomas Francis Dorsey, Sr., y Theresa (née Langton) Dorsey.  Él y Jimmy, su hermano mayor por un poco menos de dos años, se haría famoso como los "Hermanos Dorsey".Los dos hermanos menores estaban María y Edward (que murió joven). 

Tommy Dorsey inicialmente estudió la trompeta con su padre, sólo para pasar más tarde al trombón.  

A los 15 años, Jimmy Tommy recomendado como sustituto de Russ Morgan en la década de 1920 la banda territorio "The Sirens Scranton".  Tommy y Jimmy trabajaron en varias bandas, entre ellas las de Tal Henry , Rudy Vallee , Vicente López , Shilkret Nathaniel . In 1923,  En 1923, Dorsey siguió a su hermano Jimmy a Detroit para jugar en la banda de Jean Goldkette y más tarde regresó a Nueva York en 1925 para jugar con los Ramblers California.  En 1927 se unió a Paul Whiteman .  En 1929, los hermanos Dorsey tuvo su primer éxito con "Coquette" para los registros de Okeh.

En 1934, la banda Dorsey Hermanos firmó con Decca registros, tener un éxito con "I Believe In Miracles".  Futuro director de orquesta Glenn Miller fue miembro de la Orquesta Hermanos Dorsey en 1934 y 1935, la composición " de Annie prima Fanny "  y " Dese Dosis Dem ", ambos grabados para Decca para la banda.  Acrimonia en curso entre los hermanos, sin embargo, llevó a Tommy Dorsey está caminando hacia fuera para formar su propia banda en 1935, al igual que la orquesta estaba teniendo un éxito con "Cada pequeño momento". Sin embargo, la orquesta de Dorsey era conocido sobre todo por sus representaciones de baladas a ritmos de baile, frecuentemente con cantantes como Jack Leonard y Frank Sinatra .

Francis Albert Sinatra (Hoboken, 12 de diciembre de 1915 - Los Angeles, 14 de mayo de 1998), más conocido como Frank Sinatra, fue un cantante y actor estadounidense. La popularidad de Sinatra fue prácticamente constante a lo largo de toda su vida aunque fueron los años cuarenta y cincuenta los más exitosos, siendo esta última década, con su producción discográfica para la compañía Capitol, la considerada como su etapa de mayor calidad artística como cantante.

Su repertorio se basó en la obra de los más importantes compositores populares estadounidenses, como Jimmy Van Heusen, Cole Porter, Sammy Cahn o George Gershwin, y su estilo sintetizó, ya en sus orígenes, quince años de influencias mutuas entre la música de inspiración jazzística y la música pop que empezaba a difundirse a través de la radio.

Técnicamente, se caracterizó por su cuidada precisión en el fraseo y su dominio del control de la respiración. El rango de su voz estaba próximo al de barítono. Su categoría artística radica en su capacidad interpretativa para transmitir las emociones y sentimientos implícitos en las letras de las canciones.

En Sinatra, cualquier tipo de consideración vocal e, incluso, musical, resultan secundarias respecto de la que es su misión principal: contar una historia de la forma más expresiva posible…

Cyd Charisse bailarina en algunos musicales más existosos y populares de Hollywood

Tula Ellice Finklea (Amarillo, Texas, 8 de marzo de 1922 - Los Ángeles, 17 de junio de 2008), conocida como Cyd Charisse, fue una bailarina y actriz estadounidense, famosa por su participación como bailarina en algunos de los musicales más exitosos y populares de Hollywood, como Cantando bajo la lluvia o Melodías de Broadway.

Nacida en Amarillo, Texas, el 8 de marzo de 1922, como Tula Ellice Finklea, pronto se vio que estaba muy dotada para el baile, por lo que recibió clases de ballet y llegó a formar parte del Ballet Ruso de Sergei Diaghilev, con seudónimos como Felia Sidorova y María Istomina.
Posteriormente decidió intentar trabajar como actriz en la industria cinematográfica, y para ello eligió cambiar su nombre a Cyd, a partir del apelativo con el que la llamaba su hermano: Syd (del inglés sister). Cuando en 1939 (con 18 años) se casó con su profesor de baile Nico Charisse, decidió adoptar su apellido también en el nombre profesional.

En 1948 volvió a casarse con el actor y cantante Tony Martin, con el que mantuvo sesenta años de matrimonio, hasta su fallecimiento (un récord en parejas de Hollywood). Tuvo dos hijos: Nick Charisse, de su primer matrimonio, y Tony Martin Jr. del segundo.

Andy Williams, conocido por el tema "Moon River" de 1962

Howard Andrew "Andy" Williams (3 de diciembre de 1927 - 25 de septiembre de 2012) fue un cantante estadounidense que grabó dieciocho álbumes de oro y tres de platino. Es conocido por el tema «Moon River» de 1962.

Williams nació en Wall Lake, Iowa, hijo de Jay Emerson y Florencia (de soltera Finley) Williams. Su primera presentación musical fue en un coro de niños de una iglesia presbiteriana. Williams y sus tres hermanos mayores, Bob, Don y Dick formaron el cuarteto Williams Brothers a finales de 1938, y se presentaron en emisoras de radio del medio oeste, en primer lugar en WHO en Des Moines, Iowa, y más tarde en WLS de Chicago y WLW en Cincinnati. Su carrera en solitario comenzó en 1953. Durante la década de 1960, Williams se convirtió en uno de los vocalistas más populares en el país.

Entre sus álbumes de éxito de este período se encuentran Moon River, Days of Wine and Roses (número uno durante 16 semanas, a mediados de 1963), The Andy Williams Christmas Album, Dear Heart, The Shadow of Your Smile, Love, Andy, Get Together with Andy Williams y Love Story. Estas grabaciones, además de su afinidad natural para la música de la década de 1960 y principios de 1970, se combinaron para hacer de él uno de los principales cantantes de música ligera de la época. En el Reino Unido, Williams alcanzó las primeras posiciones de las lista de éxitos hasta 1978. Los álbumes Can't Help Falling In Love (1970), Andy Williams Show (1970), Home Lovin Man ( #1 1971), Solitaire (1973), The Way We Were (1974) y Reflections (1978) llegaron a los primeras diez casillas de popularidad.

 

El 3 de octubre de 2009, Williams presentó en vivo en Strictly Come Dancing de la BBC en Londres, cantando «Moon River» para promover la edición británica de The Very Best of Andy Williams, que alcanzó el puesto número diez en la lista pop principal.

The picken Sixters, un trío nacido en una plantación de Georgia que consiguió el estrellato en la década de 1930

Jane Pickens Hoving (10 de agosto de 1912 - 21 de febrero de 1992) fue una popular cantante estadounidense, activa en el teatro, la radio y la televisión a lo largo de veinte años, además de organizadora de numerosos eventos sociales y filantrópicos. Hoving fue la líder de las Pickens Sisters, un trío nacido en una plantación de Georgia que consiguió el estrellato en la década de 1930 con su propio show radiofónico, giras de conciertos y grabaciones discográficas.

Las hermanas Pickens nacieron en Macon (Georgia), criándose allí y en Atlanta. Su padre, un tratante de algodón, tocaba el piano, y su madre cantaba, y ambos les enseñaron armonía.

Al principio las hermanas cantaban para sus amigos, haciéndolo más tarde en iglesias y en escuelas. La familia se mudó a Park Avenue en 1932, y una grabación de prueba efectuada para Victor Talking Machine Company impresionó de tal modo a los ejecutivos radiofónicos, que contrataron a las hermanas sin conocerlas. Promocionadas como las "Three Little Maids From Dixie", actuaron en Thumbs Up en el circuito de Broadway y en una película, Sitting Pretty.

Firmando un contrato con Victor como respuesta de esa discográfica a las populares artistas de Brunswick Records, las Boswell Sisters, las hermanas grabaron 25 caras para Victor desde primeros de 1932 hasta finales de 1934. Sus grabaciones tenían un estilo más humorístico que el de las Boswell Sisters, cuya música era más jazzística. El grupo ganó un millón de dólares en cinco años, pero se disolvió cuando dos de las hermanas se casaron, y una cuarta, que ejercía de manager, también dejó la formación.

Pickens, que era la arreglista de los números del grupo, era la más interesada por la música. Estudió en el Instituto de Música Curtis de Filadelfia y en Fontainebleau, en Francia, y ganó becas para la Escuela Juilliard, donde estudió con Anna E. Schoen-René. En varias ocasiones dejó las actuaciones públicas para retomar su formación musical. Cantó en los Ziegfeld Follies de 1936 en un elenco que incluía a Fanny Brice y a Gypsy Rose Lee. En 1940 actuó junto a Ed Wynn en la obra Boys and Girls Together, representada en Broadway, recibiendo críticas positivas. Un momento clave de su trayectoria llegó en la década de 1940 cuando, insatisfecha con su carrera, consultó con Robert Alton, un arreglista musical que le explicó que ella aparecía distante, probablemente por una actitud defensiva. Su análisis fue una revelación, y la cantante dijo despertarse a la mañana siguiente "totalmente curada." Así, en 1949 ganó el reconocimiento por su primer papel en Regina, la versión musical de The Little Foxes.

Pickens siguió su carrera musical en solitario con un amplio repertorio que abarcaba desde la comedia musical hasta la ópera, las actuaciones en nightclubs y sus propios shows en NBC radio y ABC television. En 1954 Pickens actuó en una serie musical televisiva de 15 minutos de duración para la ABC, The Jane Pickens Show, que en primavera fue reemplazada por The Martha Wright Show.

Con frecuencia actuó por motivos caritativos, con interpretaciones para huérfanos y jóvenes, hospitales, veteranos y discapacitados. Cuando su carrera fue disminuyendo de manera gradual en la década de 1950, se centró en la dirección de eventos para la recogida de fondos, siendo sus objetivos favoritos el Ejército de Salvación y la investigación de las enfermedades cardiacas y la parálisis cerebral, una afección que sufría su hija.

Billie Holiday, considerada entre las más importantes e influyentes voces femeninas del jazz.

Eleanora Fagan Gough, conocida como Billie Holiday y apodada Lady Day (Filadelfia, 7 de abril de 1915 - Nueva York, 17 de julio de 1959) fue una cantante estadounidense de jazz. Junto con Sarah Vaughan y Ella Fitzgerald, está considerada entre las más importantes e influyentes voces femeninas del jazz. El crítico Robert Christgau consideraba que era «inigualable y posiblemente la mejor cantante del siglo» y Frank Sinatra la consideraba «su mayor influencia» e «incuestionablemente la influencia más importante en el canto popular estadounidense de los últimos veinte años».El tema “Strange Fruit” fue considerado como la mejor canción del Siglo XX, por la revista “Time” en 1999. El valor artístico de Billie Holiday reside en su capacidad interpretativa, en su dominio del swing y en la adaptación de sus cualidades vocales al contenido de la canción. Billie Holiday transmite a sus canciones una intensidad inigualable que, en muchos casos, es fruto de una traslación de sus vivencias personales a las letras cantadas. Esta personalización de lo cantado hace que su estilo esté muy vinculado a intérpretes clásicos de blues como Bessie Smith o Ma Rainey; también está clara su deuda, confirmada por ella misma, con Louis Armstrong (en su autobiografía dejó escrito: "Siempre quise el gran sonido de Bessie y el sentimiento de Pops") y, desde luego, con quien sería su principal acompañante: el saxofonista tenor y clarinetista Lester Young.

The Boswell Sisters, el primer girl group de la historia de la música

Destiny's Child, Spice Girls o Pussycat Dolls son algunos de los girl groups que han triunfado en los últimos años pero antes que ellas triunfaron The Supremes y The Ronettes en los años 60. Aunque las primeras fueron The Boswell Sisters, un grupo de cantantes harmónicas formado por tres hermanas Martha Boswell, Connee Boswell y Helvetia Boswell todas nacidas a principios de siglo y que causaron furor entre 1925 y 1935.

Martha Boswell, Connee Boswell y Helvetia Boswell eran tres hermanas de Louisiana. Sus padres las introdujeron desde pequeñas en la música y además de cantar dominaban diversos instrumentos. Connee tocaba el chelo, la guitarra y el saxofón, Vet el violín, el banjo y la guitarra y Martha el piano.Originarias de Nueva Orleans donde crecieron y se hicieron famosas con sus apariciones en los teatros y las radios locales.

Hicieron su primera grabación en 1925 para Victor Records, pero no triunfarían hasta que en 1930 se mudaron a Nueva York donde una serie de grabaciones con arreglos del gran Glenn Miller les lanzo al estrellato. El estilo vocal de las Boswell Sisters estaba caracterizado por el uso del scat, la imitación de instrumentos y los frecuentes cambios de tiempo y de clave a lo largo de una misma canción, utilizando sus tres voces en armonia. Colaboraron con algunos de los más grandes de su epoca como Glen Miller, Benny Goodman, Bing Crosby y The Dorsey Brothers entre otros. Entre sus grandes exitos destacan 'Shout Sister Shout', 'Heebiee Jeebies' y 'Rock and Roll', la primera canción de la historia en usar la palabra 'rock and roll'.En 1935 se separan y Conee lanza su carrera en solitario, una voz espectacular de la que Ella Fitzgerald era fan número 1 y una cantante que actuo casi toda su vida sentada por un accidente que sufrio de niña.

Tras ellas llegarían otras The Picken Sisters, Three X Sisters y las más famosas de todas reinas absolutas de las listas de exitos en los años 40 y 50, The Andrew Sisters.

En la música casi todo está inventado y casi siempre puedes mirar al pasado y encontrar alguien que lo hizo primero. Antes que Destiny's Child ya triunfaban las Spice Girls y antes en los 60 reinaban The Supremes, pero antes ninguna las primeras fueron The Boswell Sisters.

Roberta I won't dance Fred Astaire & Ginger Rogers

Edna Savage

Edna Savage (21 de Abril, 1936 -31 diciembre, 2000) fue una tradicional cantante en el Reino Unido.
Ella nacio en Warrington , Cheshire, Inglaterra. Ella tenía dos hermanas, ambas mayores. Su padre paisajista, su madre una cantante amateur. Dejó la escuela a la edad de 15 años. Al principio se formó como operadora, pero después de una pocas bandas tuvo que cantar para ellos a nivel local, dejó el trabajo de operadora para cantar profesionalmente.

Ella audicionó dos veces por la BBC antes de hacer su primera emisión, en 1954. Se registró una serie de canciones en las cuales una de ellas era "Arriverderci Querida" en 1956, que llegó al puesto 19 en el UK Singles Chart. En 1957 participó por el Reino Unido en el Festival de Eurovisión. Ella tuvo un matrimonio corto con su compañero el cantante Terry Dene, pero se caso despues tres veces más. Murió a la edad de 64 años.

Rebeca. "Anoche soñé que volvía a Manderley..."

Dean Martin, Frank Sinatra & Bing Crosby On The Radio

Harry Lillis "Bing" Crosby, Fue uno de los primeros artistas multimedia. Entre 1934 y 1954, Crosby tuvo un casi imbatible éxito de ventas con sus discos, grandes ratings en las emisoras de radio y películas mundialmente vistas. Es usualmente considerado como uno de los actores musicales más populares de la historia y es actualmente la voz humana más grabada electrónicamente. El prestigio artístico de Crosby es universal, máxime si tenemos en cuenta que fue una de las mayores inspiraciones para otros grandes intérpretes masculinos que lo secundaron, tales como Frank Sinatra, Perry Como, y Dean Martin. Aunque parcialmente eclipsado por la fuerza de otros intérpretes, sobre todo por Frank Sinatra, Bing Crosby fue con toda probabilidad la figura más popular e influyente de la música popular a lo largo de toda la primera mitad del siglo XX.

Hank Mobley "Jazz moderno"

El saxofonista Hank Mobley no tuvo la agresividad de Sonny Rollins, ni el fuego de John Coltrane, ni el toque de Stan Getz, pero posiblemente fuese uno de los saxos tenores mas sensibles del hardbop y del jazz moderno. En 1950 tocó en la orquesta de Rhythm and Blues de Paul Gayten y mas tarde, tras una breve colaboración con Lester Young, tocó con Dexter Gordon y Max Roach entre 1951 y 1953. La colaboración con Max Roach supuso una experiencia personal importante para Mobley, dado que ambos buscaban un discurso musical superador del bebop. Tras una importante colaboración con el pianista, Horace Silver entre 1954 y 1955, con quien grabaría el extraordinario: «Horace Silver and the Jazz Messengers»; Mobley entró en los «Jazz Messengers» del baterista Art Blakey, una experiencia que condicionó positivamente la carrera profesional de Mobley. Más aún, Hank Mobley perteneció a la formación original de ése quinteto que renovó el lenguaje bebop, y hacia 1960 la crítica especializada lo había incluido entre el cuadro de honor del hard bop (donde estaba también Art Blakey, Horace Silver, Clifford Brown, Sonny Rollins y Max Roach).

Hank Mobley, a menudo infravalorado, perteneció al quinteto de transición de Miles Davis, cuando sustituyó en 1961 a John Coltrane, que incluía al pianista Wynton Kelly

Jazz

El jazz (pron. /ʤæz/ en inglés, /ʝas/ en español ) es un género musical nacido a finales del siglo XIX en Estados Unidos, que se expandió de forma global a lo largo de todo el siglo XX. Entre los muchos intentos de delimitar y describir el complejo fenómeno del jazz, el crítico y estudioso alemán Joachim-Ernst Berendt, en su obra clásica El Jazz: De Nueva Orleans al Jazz Rock, nos dice: El jazz es una forma de arte musical que se originó en los Estados Unidos mediante la confrontación de los negros con la música europea. La instrumentación, melodía y armonía del jazz se derivan principalmente de la tradición musical de Occidente. El ritmo, el fraseo y la producción de sonido, y los elementos de armonía de blues se derivan de la música africana y del concepto musical de los afroamericanos.
El mismo autor continúa describiendo tres elementos básicos que distinguen el jazz de la música clásica europea:

• Un ritmo especial conocido como swing;
• El papel de la improvisación
• Un sonido y un fraseo que reflejan la personalidad de los músicos ejecutantes.

A lo largo de su historia, el jazz ha pasado de ser una simple música de baile popular a una compleja forma de arte reconocida y celebrada en todo el mundo. Paralelamente a dicho progreso, han cambiado también las actitudes hacia esta música: en 1924 un periodista del New York Times se refería a ella como «el retorno de la música de los salvajes», mientras que en 1987 el Congreso de los Estados Unidos de América declaraba al jazz como un «destacado modelo de expresión individual» y como un "excepcional tesoro nacional". Se ha señalado que el motor de dicho progreso ha sido la innovación, una particularidad que siempre ha estado presente en la historia de esta música, dirigiendo su evolución y caracterizando la obra de sus artistas más destacados al lado de una rama más tradicionalista. Paralelamente a esta dicotomía entre la innovación y la tradición, el jazz siempre se ha movido entre la obra de unos artistas que solo han buscado el reconocimiento de una pequeña pero selecta audiencia y otros que ha dirigido sus esfuerzos a una audiencia más amplia.

La identidad musical del jazz es compleja y no puede ser aislada ni delimitada con facilidad. En primer lugar, aunque a menudo el término se use para hacer referencia a un idioma musical (tal como se hace, por ejemplo, cuando se habla de música clásica), el jazz es en realidad una familia de géneros musicales cuyos miembros comparten características comunes, pero no representan individualmente la complejidad de género como un todo; en segundo lugar, sus diversas "funciones sociales" (el jazz puede servir como música de fondo para reuniones o como música de baile, pero ciertos tipos de jazz exigen una escucha atenta y una concentración profunda) requieren una ángulo de estudio diferente; y en tercer lugar, el tema racial siempre ha generado un profundo debate sobre el jazz, moldeando su recepción por parte del público. Si bien es cierto que el jazz es un producto de la cultura afroamericana, siempre ha estado abierto a influencias de otras tradiciones musicales, y ya desde la década de 1920 ha sido ejecutado por músicos de diversas partes del mundo con un background muy diferente. En ocasiones se ha mostrado como paradigma del jazz la obra de músicos comerciales, que los aficionados y la crítica han considerado subproductos alejados de la tradición, entendiendo por el contrario, que el jazz es una forma de música negra, en la que los afroamericanos han sido sus mayores innovadores y sus más notables representantes.

Exposición de música jazz en Nueva Orleáns

Representación fotográfica de una sala de exposiciones de Nueva Orleáns que acoge una exposición de música jazz compuesta por esculturas y cuadros.

Dorothy Dandridge- Actriz y cantante de Jazz

Dorothy Dandridge (Cleveland, 9 de noviembre de 1922 - Hollywood, 8 de septiembre de 1965) fue una cantante y actriz estadounidense, fue la primera actriz afroamericana nominada a un Óscar en 1954 por su papel en la película Carmen Jones de Otto Preminger. El racismo imperaba en esa época, y Dorothy Dandridge falleció prematuramente, tras varios reveses profesionales y personales. Estrellas posteriores la han elogiado como una pionera, entre ellas Halle Berry, quien encarnó su personaje en una película biográfica. Dorothy Dandridge nació en Cleveland (estado de Ohio), hija de un ebanista, Cyril Dandridge, y de una aspirante a artista, Ruby Dandridge. El matrimonio tuvo dos niñas (Vivian y Dorothy) y se separó pronto, y ambas quedaron al cuidado de la madre, quien las introdujo a edad muy temprana en el mundo del espectáculo.

El gran éxito que dio a Dorothy la fama definitiva fue Carmen Jones (1954), adaptación al cine del musical de Broadway de 1943, inspirado a su vez en la ópera Carmen de Georges Bizet. El director Otto Preminger incluyó a Dorothy en un amplio reparto de actores negros, junto con Harry Belafonte y Diahann Carroll. Carmen Jones fue un éxito de taquilla, y Dorothy Dandridge alcanzó el hito de ser nominada al Oscar a la mejor actriz; hasta entonces, sólo dos actores afroestadounidenses habían sido nominados, pero ambos en categoría de actores secundarios. Uno de ellos fue Hattie McDaniel, la entrañable Mammie de Lo que el viento se llevó. Pero, al contrario que Hattie, Dorothy no consiguió ganar la estatuilla, pues fue derrotada por Grace Kelly. En 1959, Dorothy volvió a rodar bajo las órdenes de Otto Preminger: en esta ocasión, la adaptación al cine de Porgy & Bess, trabajo por el cual ella fue nominada al Globo de Oro. Colaboraron Sydney Poitier, Sammy Davis Jr. y Diahann Carroll.

Dorothy Dandridge vio declinar su estrellato en el cine y tuvo que subsistir como cantante en locales de variedades.  En 1965, a la edad de 42 años, falleció en su casa en West Hollywood, debido a una sobredosis de imipramina, antidepresivo tricíclico.

Lena Horne cantante afroestadounidense de Jazz

Lena Mary Calhoun Horne (Brooklyn, 30 de junio de 1917 - 9 de mayo de 2010 ), más conocida como Lena Horne, fue una legendaria actriz y cantante afroestadounidense de jazz y música popular.
Su carrera, tanto como artista de nightclub como de intérprete de discos para diversas compañías, abarca más de sesenta años, desde los años treinta a los noventa del siglo XX. Sus padres se separaron cuando tenía dos años y fue criada por sus abuelos. Mitad afroestadounidense y mitad indígena estadounidense, su madre fue la hija del inventor Samuel R. Scottron y es descendiente de John Caldwell Calhoun, y su tío Frank Horne fue asesor del presidente Franklin Delano Roosevelt. Debutó como corista a los 14 años, pasando a integrar las filas del célebre Cotton Club de Harlem donde actuaban Duke Ellington, Billie Holiday, Louis Armstrong y Ethel Waters que la impactó con la canción Stormy Weather. Se dio a conocer en el mundo del jazz en la segunda mitad de la década de 1930, cantando en diversas big bands, especialmente en la de Noble Sissle (1938), época en la que iniciaria su carrera cinematográfica. En 1941 se incorpora a la banda de Charlie Barnet, consiguiendo un éxito discográfico con el tema "Good for a nothing Joe", y después actuaría asiduamente con la banda del pianista Teddy Wilson.

Trabajó en 16 películas y varios cortos entre 1938 y 1978. Su más famosa aparición y canción distintiva fue, casualmente, en Stormy Weather de 1943 y en la película Cabin in the Sky de Vincente Minnelli junto a la ya veterana Ethel Waters y Cab Calloway. Debió haber encarnado a Julie en Show Boat pero debido a su color el papel fue cedido a su amiga Ava Gardner, quien fue doblada en las canciones. Su última aparición fue The Wiz como Glenda The Good Witch junto a Michael Jackson y Diana Ross. Actuó también en Broadway, conquistando una nominación al Tony en 1957 por Jamaica. En 1980 regresó triunfalmente (a los 63 años) en su propio espectáculo Lena Horne: The Lady and Her Music en 1981-1982 producido por Quincy Jones por el que obtuvo un Premio Tony.Trabajó asiduamente en radio y televisión, en el show de Judy Garland, Bing Crosby, Frank Sinatra y The Muppet Show.

Tiene dos estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood, como actriz y como cantante.
Mereció tres premios Grammy, entre los que está el Lifetime Achievement Award en 1989.
En 1984 fue una de las artistas del año homenajeada en el Kennedy Center de Washington

Peggy Lee, cantante de Jazz "de las personalidades musicales más influyentes del siglo XX"

Peggy Lee (26 de mayo de 1920 – 21 de enero de 2002) fue una cantante estadounidense de jazz y de música popular, así como compositora de canciones y actriz nominada al Oscar.
Su verdadero nombre era Norma Deloris Egstrom, y nació en Jamestown, Dakota del Norte. Ampliamente reconocida como una de las personalidades musicales más influyentes del siglo XX, Lee ha sido citada como mentora de artistas tan diversos. Como compositora, colaboró con su marido, Dave Barbour, con Sonny Burke, Victor Young, Francis Lai, Dave Grusin, John Chiodini, y Duke Ellington, quien afirmó, "Si yo soy el Duke (duque), entonces Peggy es la Reina." Como actriz fue nominada para un premio Oscar por su papel en Pete Kelly's Blues. Como cantante, Peggy Lee tenía registro de contralto. Frank Sinatra, Ella Fitzgerald, Judy Garland, Dean Martin, Bing Crosby y Louis Armstrong la citaron como una de sus cantantes favoritas.

Era la más joven de siete hermanos. Lee encontró en la música una válvula de escape de los arrebatos de su madrastra, Min. Empezó a cantar profesionalmente con la radio KOVC en Valley City (Dakota del Norte), y pronto tuvo una serie radiofónica propia respaldada por un restaurante local que le pagaba su "salario" con comida. Durante su época en la high school aceptó todo tipo de trabajos, desde camarera hasta cantante en otras emisoras locales. La personalidad radiofónica Ken Kennedy, de WDAY en Fargo (Dakota del Norte) (la emisora más escuchada del estado) cambió su nombre, Norma, por el de Peggy Lee. Cansada de los abusos de su madrastra, abandonó su domicilio y viajó a Los Ángeles a los 17 años de edad. Volvió a Dakota del Norte para ser operada de una amigdalectomía y finalmente fue a Chicago para actuar en The Buttery Room, un club en el Ambassador Hotel West, donde llamó la atención a Benny Goodman, el clarinetista de jazz. Ella se unió a la banda de Goodman en 1941 y permaneció en ella durante dos años.

Ray Anthony : "Director de orquesta estounidense, trompetista del Jazz"

Ray Anthony (nacido el 20 de enero de 1922, Benton, Pennsylvania) es un director de orquesta estadounidense, trompetista, compositor y actor. De niño Anthony se trasladó con su familia a Cleveland, Ohio, donde comenzó a estudiar la trompeta con su padre. Toco en la banda de Glenn Miller de 1940-1941 y apareció en la película de Glenn Miller, Sun Valley Serenade en 1941 antes de unirse a la Marina de los EE.UU. durante la Segunda Guerra Mundial. Después de la guerra formó su propio grupo. La Orquesta de Ray Anthony fue muy popular en la década de 1950, con grabaciones que incluyó canciones clásicas Anthony’s dance «El Bunny Hop» y el «Hokey Pokey», así como el tema musical de Dragnet. Entre 1953-1954 Anthony fue el director musical de Top Tunes la serie de televisión de la televisión, y también apareció como él mismo en el 1955 la película Papá piernas largas. En 1955 se casó con Anthon, el símbolo sexual la actriz Mamie Van Doren y comenzó a expandirse su propia carrera de actuación. Actuó en televisión en breve duración de 1956-1957 en un espectáculo de variedades, El Rayo Anthony Show. Anthony también apareció en varias películas durante la década de 1950, incluidos los cinco Centavos (donde interpreta el papel de Jimmy Dorsey), y las películas de Van Doren High School Confidential como «Bix» Ciudad y las niñas. En la temporada televisiva 1959-1960, que fue estrella invitada en el episodio «Operación Ramrod» de la serie de espionaje David Hedison de los cinco dedos de la cadena NBC.

Anthony y Van Doren se divorciaron en 1961, y la breve carrera en el cine de Anthony terminó aproximadamente a la misma hora. Sin embargo, continuó su carrera musical y tuvo otro hit con el tema de Peter Gunn, que alcanzó el puesto 8 en la lista pop de Billboard. Entre sus pianistas estuvo Allen «Batán» Harris, un nativo de Franklin, en Luisiana, que había sido miembro de la original banda de Ricky Nelson y Kellie Verde, que también tocaba el vibráfono.

A partir del 2006 . Anthony sigue en activo como director de orquesta y músico.

Dos amigos, dos figuras, dos compañeros, dos voces incomparables: Dean Martin y Frank Sinatra.

Rat Pack (Pandilla de ratas) fue el nombre con el que se conoció a un grupo de actores y músicos estadounidenses que, reunidos como amigos, se generó alrededor primero de Humphrey Bogart y, a su muerte, alrededor de Frank Sinatra, y que trabajaron juntos en películas, conciertos, espectáculos, incluso en eventos políticos. Activo entre mediados de la década de 1950 y mediados de la de 1960, sus miembros más conocidos fueron, aparte de Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis j.. Peter Lawford y Joey Bishop, como núcleo principal; además, formaron parte ocasional del mismo artistas como Shirley MacLaine, Lauren Bacall, Angie Dickinson, Marilyn Monroe y Judy Garland mayo de 1977, Nueva York. El nombre "Rat Pack" fue usado en un principio para referirse a un grupo de amigos de Hollywood quienes en un principio estaban organizados alrededor de Humphrey Bogart, un grupo que incluía a un joven Frank Sinatra. Supuestamente el término "Rat Pack" fue asignado al grupo original de Bogart por "Den Mother" (Lauren Bacall), después de verlos regresar de una noche en Las Vegas; al verlos llegar cansados y descompuestos, dijo: “Parecéis una maldita pandilla de ratas” ("You look like a goddamn rat pack"), refiriéndose a la apariencia de cansancio de los otros miembros del grupo. Según otra versión, el término "Rat Pack" no fue idea de Bacall, sino que se inició con Humphrey Bogart, el entonces marido de Bacall, a partir de una reunión nocturna en "Holmby Hills", hogar de Bogart y de Bacall, durante la cual Sinatra los llamó los “Holmby Hills Rat Pack”, lugar de muchos de sus encuentros. Otra explicación era que el referido grupo rechazaba a cualquiera que tratara de unirse. De acuerdo con Stephen Bogart, los miembros del Holmby Hills Rat Pack eran Sinatra (el jefe de la pandilla), Garland (primer vicepresidente), Bacall (la madre gallina), Luft (el jefe de la jaula), Bogart (la rata encargada de las relaciones públicas), Swifty Lazar (el secretario de las grabaciones), Nathaniel Benchley (el historiador), David Niven, Katharine Hepburn, Spencer Tracy, George Cukor, Michael Romanoff y James Van Heusen. De acuerdo con esta explicación, confirmada en la autobiografía de David Niven (The Moon's a Balloon), el Rat Pack contenía originalmente a David Niven y no a Sammy Davis ni a Dean Martin.

.My Fair Lady - The Rain In Spain .

"The Forces' Sweetheart" (La novia de las fuerzas armadas).

Dame Vera Lynn, DBE (nacida el 20 de marzo de 1917) es una popular vocalista inglesa, cuya carrera se desarrolló durante la Segunda Guerra Mundial, cuando fue apodada "The Forces' Sweetheart" (La novia de las fuerzas armadas). Entre sus numerosas canciones destacan "We'll Meet Again" y "The White Cliffs of Dover". Ha sido considerada uno de los de mayores entretenimiento durante la 2ª Guerra Mundial.

Vera Lynn nació con el nombre de Vera Margaret Welch el 20 de marzo de 1917 en East Ham, Londres. Más tarde, adoptó el apellido de su abuela, Lynn. Comenzó a cantar a la edad de 7 años en un club de trabajadores. Su primera actuación por radio, acompañada de la orquesta de Joe Loss, fue en 1935. Un año después, hizo su primera grabación como solista con, "Up the Wooden Hill to Bedfordshire". Lynn se casó con el clarinetista y saxofonista Harry Lewis en 1939, año en que comienza la Segunda Guerra Mundial . En 1940 comenzó su propio programa de radio, "Sincerely Yours". Enviaba mensajes a las tropas británicas destinadas al extranjero. En este show ella y un cuarteto interpretaban las canciones más solicitadas por los soldados en el extranjero. Visitaba también hospitales, donde entrevistaba a nuevas madres y enviaba mensajes a sus maridos en territorio enemigo. Realizó giras por Egipto, India y Birmania, donde dio conciertos para los soldados. En 1939 grabó la canción "We'll meet again", canción con letra y música de Ross Parker y Hugh Charles.

En 1942, protagonizó una película del mismo nombre. La letra nostálgica atrajo a mucha gente que se había visto obligada a separarse de sus seres queridos por la guerra. La canción se convirtió en un emblema del periodo de guerra. Después de la guerra, su "Auf Wiedersehen Sweetheart" se convirtió en la primera grabación de un artista británico en encabezar las lista americanas, durante nueve semanas. "Auf Wiedersehen Sweetheart", junto con "The Homing Waltz" y "Forget-Me-Not" entraron en la lista de éxitos del Reino Unido.

La carrera de Vera Lynn prosperó durante los años 50, siendo la cima de su carrera la canción "My Son, My Son", número uno en 1954. Lynn (que tuvo una hija) co-escribió la canción con Eddie Calvert. A comienzos de los 60, Lynn deja la Decca Records, con la que había estado 25 años y se unió a EMI. Lideró de nuevo la lista de éxitos en Reino Unido en el año 1967 con "It Hurts To Say Goodbye".

Lynn fue nombrada Oficial de la Orden del Imperio Británico en 1969 y Dama Comandante en 1975.
Cantó en el exterior del Buckingham Palace en 1995 en una ceremonia del aniversario de la victoria de la Segunda Guerra Mundial en Europa. Lynn, con 78 años, decidió finalizar su carrera artística y ésta fue su última interpretación pública. En 2002, a la edad de 85 años, se convirtió en la presidente de una organización benéfica de enfermos de parálisis mental y organizó un concierto en nombre de la reina Isabel II en Londres. También es nombrada en el disco y en la película "The Wall" en la canción "Vera" del grupo de rock progresivo Pink Floyd, haciendo alusión también a su película "We'll Meet Again".

Doris Day besa al hombre equivocado

Elizabeth Rosemond Taylor

Elizabeth Rosemond Taylor, DBE, de nombre artístico Elizabeth Taylor y también llamada más coloquialmente Liz Taylor (Hampstead, Londres, Reino Unido, 27 de febrero de 1932 - Los Ángeles, Estados Unidos, 23 de marzo de 2011 ) fue una actriz inglesa que desarrolló su carrera en Estados Unidos, principalmente con largometrajes para los grandes estudios de Hollywood, aunque trabajó también de manera más ocasional en teatro y televisión. Entre sus múltiples premios ganó tres Premios Óscar (uno de ellos honorífico), cinco Globos de Oro, tres premios BAFTA británicos y el David de Donatello. Gracias a una condecoración de la reina Isabel II de Inglaterra (Dama Comandante del Imperio Británico, DBE) recibía el tratamiento de Dame, equivalente del masculino Sir. En su madurez se volcó en el activismo a favor de causas humanitarias, especialmente la lucha contra el sida.
Reconocida por su espectacular y deslumbrante belleza, con ojos de un rarísimo color violeta, y por su actuación en películas como La gata sobre el tejado de zinc, Cleopatra o ¿Quién teme a Virginia Woolf?, desde la década de 1950 se erigió como uno de los mitos del Séptimo Arte. Fue también sumamente popular por su tormentosa vida privada y su pasión por las joyas.
En 1999 el American Film Institute la nombró como la séptima mejor estrella femenina de los primeros cien años del cine norteamericano.

Lo que el viento se llevó ( Gone with the wind)

Lo que el viento se llevó (en inglés Gone with the Wind) es una de las películas más famosas de la historia del cine. Basada en la novela del mismo título de Margaret Mitchell (ganadora de un Premio Pulitzer), su rodaje, que duró 125 días, supuso cambios importantes en la técnica cinematográfica. En el momento de su estreno fue la película más cara (U$S 4,25 millones) que se había rodado, también de las más galardonada por haber recibido diez premios Oscar, récord que mantuvo hasta el año 1959. Mediados del siglo XIX. Scarlett O’Hara (Vivien Leigh), una bella joven caprichosa y pasional, vive en una de las grandes mansiones del sur de los Estados Unidos rodeada de esclavos negros y todo tipo de lujos. Lo único que no puede conseguir es a Ashley Wilkes (Leslie Howard), el hombre del que está enamorada y que, a su vez, está comprometido en matrimonio con su prima, Melanie Hamilton (Olivia de Havilland), una dulce y cariñosa mujer incapaz de odiar. La Guerra de Secesión está a punto de estallar y los jóvenes sureños muestran su entusiasmo por entrar en combate. No así Rhett Butler (Clark Gable), un hombre atractivo que no tiene más interés que su propio beneficio. Butler se enamora de Scarlett durante una fiesta en los «Doce Robles», la finca de Ashley, y no cesará en su empeño de lograr su amor durante toda la película, a pesar de que Scarlett seguirá obsesionada con Ashley a pesar del paso de los años y de varios matrimonios por interés. El espectador asiste a la evolución vital de la protagonista, desde su adolescencia hasta su madurez, y a su lucha constante por sobrevivir y conseguir todo lo que se propone. Un personaje lleno de fuerza, ambición, autoestima e incapacidad de sentir miedo que cautiva e imprime ánimos en todo aquel que se acerca a ella.

Cheek to Cheek - Fred and Ginger

Breakfast at Tiffany's

Breakfast at Tiffany's (Desayuno con diamantes en España, Desayunando en Tiffany's en Hispanoamérica) es una película estadounidense del género comedia, rodada en 1961 y dirigida por Blake Edwards. Protagonizada por Audrey Hepburn y George Peppard, contó con un reparto de actores secundarios que incluía a Patricia Nell , Martin Balsam, Mickey Rooney y el español José Luis de Vilallonga. La película es una adaptación bastante libre de la novela del mismo título de Truman Capote.
La banda sonora fue compuesta por Henry Mancini, y en ella se encuentra la famosa canción Moon River, con letra de Johnny Mercer.
En 1961 la película ganó dos premios Óscar en las categorías Mejor banda sonora y Mejor canción.

Mientras que el escritor Paul Varjack (George Peppard) es mantenido por una mujer mayor, Holly Golightly (Audrey Hepburn) es una aspirante a actriz un tanto extravagante. Prueba de ello es su costumbre de desayunar frente a la joyería Tiffany & Co. Todo cambia cuando ambos se convierten en vecinos y su vida de un giro de 180 grados

Tender Trap - Debbie Reynolds, Marc Wilder, Frank Sinatra (1955)

Doris Day & Rock Hudson {Pillow Talk-1959}

Confidencias a medianoche o Problemas de alcoba (según el país) es la primera de las tres películas en las que actuó el trío formado por Rock Hudson, Doris Day y Tony Randall. Las otras dos fueron Pijama para dos y No me mandes flores. En cada una de ella los tres actores interpretan a personajes diferentes.

Jan Morrow (Doris Day) es decoradora y Brad Allen (Rock Hudson) compositor. Debido a la falta de líneas telefónicas, comparten una entre los dos. No se conocen pero Jan no puede evitar escuchar las conversaciones de Brad con un buen número de jóvenes a las que les declara su amor. Brad ocupa el teléfono durante horas, lo cual exaspera aún más a Jan. Un día Brad ve a Jan y se propone conquistarla. Para ello utiliza otro nombre, habla con acento tejano, y le encarga la redecoración de su apartamiento. Jan aún no se ha dado cuenta de la verdadera identidad de ese amable señor tejano.

La película ganó un Oscar al mejor guion original, y obtuvo cuatro nominaciones, a la mejor actriz principal (Doris Day), a la mejor actriz de reparto (Thelma Ritter), a la mejor dirección artística, y a la mejor música.

Fred Astaire Silk Stocking All of You

Bing Crosby

Harry Lillis "Bing" Crosby (Tacoma, Estado de Washington, 3 de mayo de 1903 - Alcobendas, España, 14 de octubre de 1977) fue un cantante (crooner) y actor estadounidense con una carrera artística de medio siglo. Fue uno de los primeros artistas multimedia. Entre 1934 y 1954, Crosby tuvo un casi imbatible éxito de ventas con sus discos, grandes ratings en las emisoras de radio y películas mundialmente vistas. Es usualmente considerado como uno de los actores musicales más populares de la historia y es actualmente la voz humana más grabada electrónicamente. El prestigio artístico de Crosby es universal, máxime si tenemos en cuenta que fue una de las mayores inspiraciones para otros grandes intérpretes masculinos que lo secundaron, tales como Frank Sinatra, Perry Como, y Dean Martin. Harry Lillis Crosby nació en Tacoma (Washington) el 3 de mayo de 1903 en una casa construida por su padre (1112 North J Street, Tacoma, Washington). Su familia se mudó a Spokane (Washington) en 1906 con el objetivo de conseguir algún trabajo. Fue el cuarto de siete hijos: cinco hombres, Larry (n. 1895-1975), Everett (n. 1896), Ted (n. 1900), Harry (n. 1903) y Bob (1913-1993); y dos mujeres, Catherine (n. 1905) y Mary Rose (n. 1907). Su padre, Harry Lowe Crosby (1871-1950), era un contable de ascendencia inglesa-estadounidense, y su madre Catherine Harrigan (1873-1964) era hija de un constructor del Condado de Mayo de ascendencia irlandesa-estadounidense. Sus ancestros paternos, Thomas Prence y Patience Brewster, nacieron en Inglaterra y emigraron a los Estados Unidos en el siglo XVII. La familia Brewster arribó al continente en el famoso barco Mayflower.
Bing Crosby no tenía certificado de nacimiento; la fecha, por tanto, fue un secreto hasta que la iglesia católica de su juventud en Tacoma reveló su acta de bautismo que contenía la datación exacta de su nacimiento. En 1910 Harry Lillis, con seis años de edad, descubrió una página completa en la que aparecía un artículo en la edición dominical del Spokesman-Review, The Bingville Bugle. El Bugle, sección escrita por el humorista Newton Newkirk, era en realidad una parodia que aparecía publicada en dicho periódico. Un vecino de quince años de edad, Valentine Hobart, compartía el entusiasmo de Crosby por estas parodias y llamó al diario Bingo por Bingville. De aquí surgió el apelativo de Crosby: suprimida la última vocal de la palabra Bingo, Crosby adoptó el nombre de Bing. En el verano de 1917 Crosby trabajó en el Auditorium de Spokane, donde fue testigo de los mejores actos del día, incluyendo una actuación de Al Jolson de quien Crosby diría: «Para mí él fue el mejor artista que ha existido». En el otoño de 1920, Bing se matriculó en la Universidad jesuita Gonzaga College en Spokan, Washington con la intención de graduarse como abogado. Mantuvo un promedio de notas de B+. Estando en Gonzaga, compró un set de batería por correspondencia. Tras una ardua práctica sus habilidades crecieron manifiestamente y fue invitado a unirse a una banda local compuesta en su mayoría por niños escolares llamada Musicaladers, conducida por Al Rinker. Logró ganar tanto dinero con este trabajo que decidió dejar los estudios durante su último año para dedicarse al mundo del espectáculo.

En su madurez, Bing Crosby viajaba a la ciudad de La Paz (Baja California Sur, México). En esa ciudad alternó sus vacaciones familiares con una gran labor social. En Las Cruces, un balneario casi aislado, disfrutó (según sus propias palabras) de algunos de los mejores días de su vida, siempre en compañía de su familia.

Era muy aficionado al golf y falleció inesperadamente, al parecer por un infarto mientras lo practicaba, en la zona residencial de La Moraleja sita en Alcobendas, cerca de Madrid (España).

Carole Lombard esposa de Clark Gable

Carole Lombard (Fort Wayne, Indiana el 6 de octubre de 1908 - Table Rock Mountain, Nevada 16 de enero de 1942). Actriz estadounidense, de origen británico y alemán. Realizó más de cuarenta películas y fue nominada en una ocasión al Oscar de Hollywood. Se especializó en papeles cómicos, como mostró en su última película Ser o no ser, el mismo año de su muerte en un accidente de aviación.

Nació como Jane Alice Peters, en una familia de la alta sociedad. Sus padres se divorciaron en 1916 y su madre se llevó a la familia al oeste. Decidió establecerse en el área de Los Ángeles, California.
Después de que el director de cine Allan Dwan la viera jugando al béisbol en la calle con los niños del barrio, Carole firmó un contrato para la película A Perfect Crime en 1921 con sólo 12 años de edad. Aunque intentó conseguir otros trabajos de interpretación, no sería vista otra vez hasta cuatro años después. Regresó a su vida normal, yendo a la escuela y practicando el atletismo. A los 15 años, Carole había abandonado los estudios, se unió a una compañía teatral y actuó en varios espectáculos que no tuvieron grandes repercusiones en los medios. En 1925, pasó una prueba cinematográfica y firmó un contrato con la 20th Century Fox. En el año 1931 se casó con William Powell, pero a los dos años se divorciaron. En el año 1939 se casó con Clark Gable, formando uno de los matrimonios más atractivos de Hollywood, que sólo duró 3 años, hasta la muerte de ella. En 1926, Carole resultó gravemente herida en un accidente de automóvil que le dejó una cicatriz en el lado izquierdo de la cara. Una vez que se hubo recuperado, Fox canceló su contrato. En 1942 fallecía en accidente de avión cuando regresaba de su estado natal donde fue a dar sus apoyos para la compra de bonos de guerra.

Eleanor Powell- (1938) Rosalie

Eleanor Powell (Springfield, Massachusetts, 21 de noviembre de 1912 – Los Ángeles, 11 de febrero de 1982), bailarina y actriz estadounidense.

Su nombre completo fue Eleanor Torrey Powell. Desde muy pequeña se sintió atraída por el baile de claqué, siendo contratada por el empresario de vodevil Gus Edwards. Poco después se trasladó a Nueva York en donde alcanzaría el estrellato en las míticas tablas de Broadway.

A mitad de los años 30 debutaría para la Fox con Escándalos de 1935 (1935) y posteriormente firmaría un contrato con el gran estudio de los musicales, la Metro Goldwyn Mayer, en donde triunfaría en estupendos musicales del estilo de Melodías de Broadway 1936 (1935), Nacida para la danza (1936) y Melodías de Broadway (1937) de Roy Del Ruth; Rosalie (1937) de W. S. Van Dyke, Honolulu (1939) de Edward Buzzell, La nueva melodía de Broadway (1940) de Norman Taurog con el genial Fred Astaire de partenaire; Lady Be Good (1941) de Norman Z. McLeod o Sensations (1944) de Andrew L. Stone.

Tras su boda con el conocido actor Glenn Ford en 1943, Eleanor Powell se retiró casi definitivamente del cine (sólo aparecería en Sensations y como estrella invitada en Serenata en el valle del sol). La boda con Ford duraría hasta 1959, año de su divorcio, quedando tras un disputado pleito, Eleanor, en precaria situación económica. Para solucionar esto, Eleanor Powell volvió al baile y triunfó de nuevo en los escenarios de Las Vegas y Broadway. Posteriormente se dedicó a la televisión y a obras de beneficencia hasta su muerte.

"Good Morning" ~ Singin' in the Rain (1952)

Vivien Leigh

Vivian Mary Hartley, conocida artísticamente como Vivien Leigh (5 de noviembre de 1913 - 7 de julio de 1967), fue una actriz de teatro y cine británica. Galardonada con dos premios Óscar, es principalmente recordada por sus papeles como Scarlett O'Hara en Lo que el viento se llevó (1939) y como Blanche DuBois en Un tranvía llamado deseo (1951).

Tras contraer matrimonio con el actor y director Laurence Olivier en 1940, Leigh incursionó activamente en teatro, interpretando roles en obras cómicas de dramaturgos como Noël Coward y George Bernard Shaw y en tragedias de William Shakespeare. Destacó desempeñando los papeles de Ofelia, Cleopatra y Julieta. Su participación en el musical de Broadway Tovarich de 1963 la hizo acreedora de un premio Tony. Transcurrido casi medio siglo desde su fallecimiento, se la sigue considerando una de las cien actrices más bellas de todos los tiempos, caracterizada por sus finas facciones y sus imponentes ojos.

Nació en la India, de padres ingleses que pertenecían a una familia acomodada residente en Inglaterra.

Desde una edad temprana demostró su inclinación por la interpretación, actuando en los diversos montajes teatrales que se organizaban en los distintos colegios a los que asistió. Más adelante estudió en la Royal Academy of Dramatic Art con el fin de perfeccionar sus aptitudes interpretativas. Debutó en el teatro en 1934 con la obra The Green Sash, y al año siguiente en el cine con Things are looking up, participó como modelo y tuvo que aprender a ocultar un gran defecto: sus grandes manos. Tras una función en el teatro Lyric conoció a Laurence Olivier, famoso por sus adaptaciones de las obras de Shakespeare, del que se enamoró y con el que también formó pareja artística. Se casaron en 1940 después del divorcio de sus respectivas parejas y tuvieron una sencilla ceremonia en San Ysidro Ranch, Santa Bárbara (California) a la que acudieron sus testigos Katharine Hepburn y Garson Kanin. Vivien siguió actuando en diversas películas británicas como Un yanki en Oxford (1938) y Callejón sin salida (1938).

Fred Astaire destreza en Canto

Aunque poseía una voz suave, era admirado por su lirismo, dicción y construcción - la gracia y la elegancia tan apreciada en su baile parecía tener su reflejo en su canto, una capacidad de síntesis que llevó a Burton Lane a describirle como "El mejor intérprete musical del mundo." Irving Berlin consideró Astaire igual que cualquier intérprete masculino de sus canciones - "tan bueno como Jolson, Crosby o Sinatra, no necesariamente por su voz, sino por su idea de proyectar una canción". Jerome Kern le consideró el intérprete masculino supremo de sus canciones y Cole Porter y Johnny Mercer también admiraron su tratamiento único de su trabajo. Y mientras George Gershwin era algo crítico con las capacidades de cante de Astaire, escribió muchas de sus canciones más memorables para él.

Singing In The Rain - You Were Meant For Me (Gene Kelly and Debbie Reyno...

The best years of our lives {Los mejores años de nuestra vida (1946)}

Los mejores años de nuestra vida es una película estadounidense de 1946, dirigida por William Wyler. Protagonizada por Fredric March, Myrna Loy, Teresa Wright, Virginia Mayo y Dana Andrews en los papeles principales. Basada en la novela Glory For Me de MacKinley Kantor.
Galardonada con varios premios cinematográficos estadounidenses y europeos.
En 1989 la película fue incluida entre los filmes que preserva el National Film Registry de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos por ser considerada «cultural, histórica, o estéticamente significativa».

Tres hombres que regresan de la guerra a su ciudad realizan juntos la etapa final del viaje y entablan amistad. Cada uno se Cada uno se encuentra, a su manera, con dificultades para adaptarse de nuevo a una vida normal.

Reparto

• Myrna Loy - Milly Stephenson
• Fredric March - Al Stephenson, sargento técnico
• Dana Andrews - Capitán Fred Derry
• Teresa Wright - Peggy Stephenson
• Virginia Mayo - Marie Derry
• Cathy O'Donnell - Wilma Cameron
• Hoagy Carmichael - Tío Butch
• Harold Russell - Homer Parish, suboficial de 2 clase
• Gladys George - Hortense Derry
• Roman Bohnen - Pat Derry
• Ray Collins – Señor Milton
• Minna Gombell - Señora Parish
• Walter Baldwin – Señor Parish
• Steve Cochran - Cliff
• Dorothy Adams - Señora Cameron
• Don Beddoe – Señor Cameron
• Charles Halton - Prew
• Ray Teal - Señor Mollett
• Erskine Sanford - Bullard
• Victor Cutler – Woody

El proyecto de rodaje de esta película fue encargado al guionista Robert Sherwood y William Wyler cuando éstos estaban en un momento profesional bastante poco creativo. Sherwood se dedicaba a escribir los discursos de Roosevelt y Wyler había estado haciendo documentales sobre la primera línea de fuego, motivo por el que se había quedado parcialmente sordo. A pesar de ser un gran éxito de público y de crítica, en la Caza de brujas de Joseph McCarthy fue una de las películas vigiladas por considerarla de contenido subversivo, al hablar de la adaptación a la paz y lo complicado que puede resultar. El Comité de Actividades Antiamericanas planteó convocar a Robert Sherwood, el guionista, por el contenido sospechoso de ciertas escenas, pero finalmente no llegó a más por la intervención directa de Samuel Goldwyn, uno de los creadores de la MGM, y amigo íntimo de Sherwood. Harold Russell, verdadero mutilado de guerra, se interpretó a sí mismo y se convirtió en la primera y única persona en conseguir dos Premios Oscar, al mejor actor secundario, y un Premio Oscar especial honorífico.

Doris Day & Gene Nelson in "Somebody Loves Me"

Debbie Reynolds {Tammy}

Debbie Reynolds (1 de abril de 1932) es una actriz y cantante estadounidense.Tambien conocida por interpretar a Aggie en Halloweentown en 1998. Debbie Reynolds nació con el nombre de Mary Frances Reynolds en El Paso, Texas, siendo la segunda hija de Raymond Francis Reynolds (1903 - 1986) y Maxine N. Harman (1913 - 1999). Su familia se trasladó a Burbank, California en 1939.
A los 16 años, Reynolds ganó el concurso de belleza de Miss Burbank, un contrato cinematográfico y adquirió el nombre con el que se la conoce. Reynolds apareció en pequeños papeles en dos películas de la Warner y, posteriormente, firmó un contrato con la Metro-Goldwyn-Mayer, donde participó en las películas Three Little Words, protagonizada por Fred Astaire y Red Skelton, Two Weeks with Love, donde recibió muy buenas críticas, y Mr. Imperium, con Lana Turner. En contra de la oposición inicial de Gene Kelly y de su falta de habilidad para el claqué, Reynolds protagonizó Cantando bajo la lluvia, junto a Kelly y Donald O'Connor. Reynolds ha protagonizado muchas películas y ha grabado discos, con algunas canciones que han sido un éxito (la más conocida es Tammy, que se incluye en su película de 1957 Tammy, la muchacha salvaje). Su papel protagonista en Molly Brown siempre a flote (1964) le proporcionó una candidatura al Oscar, que perdió ante Julie Andrews y su papel en Mary Poppins.

Hasta 2005 ha seguido apareciendo en películas y series de televisión, uno de los pocos actores de la Edad de Oro de la MGM que todavía sigue en activo, al igual que Mickey Rooney, Lauren Bacall, Margaret  O'Brien, Jane Powell, Rita Moreno, Leslie Caron, Dean Stockwell, Angela Lansbury, Russ Tamblyn o June Lockhart. En 2001 grabó el telefilme These Old Broads junto a otras tres leyendas del cine: su antigua enemiga Elizabeth Taylor, Shirley Mc Laine y Joan Collins.
Desde 1999 hasta la actualidad, ha interpretado el papel de la madre de Grace, Bobbi Adler, en la serie de la NBC Will & Grace.

Durante su carrera, Reynolds ha sido candidata una vez al Oscar a la mejor actriz (por su papel en Molly Brown siempre a flote), cinco veces a los Globos de Oro y una vez a los Emmy.
Las huellas de Reynolds están impresas en el Grauman's Chinese Theatre de Hollywood. Además tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en el 6654 de Hollywood Boulevard.

Doris Day en la década de 1960.

Doris Mary Ann Kappelhoff (n. Cincinnati, Ohio, Estados Unidos; 3 de abril de 1924), más conocida como Doris Day, es una actriz y cantante estadounidense. Filmó 39 películas, grabó más de 650 canciones, protagonizó una comedia de situación y presentó un programa de entrevistas. Considerada un ícono de la comedia en la cinematografía hollywoodiense, se ha convertido en una de las intérpretes más taquilleras y reconocidas de los años 1950 y 1960. Junto a Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor y Lauren Bacall, entre otras, integró la Época de Oro del cine hollywoodiense. En sus filmes, dirigidos por cineastas como Michael Gordon, Michael Curtiz, Alfred Hitchcock y David Butler, trabajó junto a actores como Jack Carson, Frank Sinatra, Clark Gable y Rock Hudson.Varias veces galardonada por su carrera musical y como actriz, ha sido nominada para un premio Óscar y seis Globos de Oro. En reconocimiento a su trayectoria profesional recibió el premio Cecil B. DeMille en 1989, el premio Grammy a la carrera artística en 2008 y, además, una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Desde que se retiró de la interpretación a finales de los años 1980, Day se abocó a la defensa de los derechos de los animales.

Day nació con el nombre de Doris Mary Ann Kappelhoff en Evanston, Ohio, hija de inmigrantes de origen germano. La menor de dos hijos, fue llamada "Doris" por la actriz del cine mudo Doris Kenyon. De religión católica, sus padres se divorciaron siendo ella una niña. Posteriormente ella adoptaría las creencias de la Ciencia Cristiana. Ya desde pequeña Day empezó a bailar ganando un contrato que le permitió, con tan sólo doce años, viajar a Hollywood, California con su compañero, Jerry Doherty. A los 16 años Doris sufrió un accidente automovilístico que le impidió cumplir sus sueños de ser bailarina, por lo que se concentró en el canto y en la actuación.

Al poco tiempo, Kappelhoff comenzó su carrera profesional en 1939 formando parte de las llamadas big bands. En esa época acompañó a cantantes como Barney Rapp, Bob Crosby y Les Brown en las actuaciones que realizaban en vivo en clubes nocturnos y teatros. Fue el propio Barney Rapp quien le sugirió que cambiase su nombre por el de "Doris Day", por la canción "Day after Day" que era parte de su repertorio. A ella nunca le ha gustado su nombre artístico, ya que piensa que suena a nombre de stripper; sin embargo, su nombre siempre ha estado asociado a una imagen de inocencia.
Junto a Les Brown lanzó más de una decena de sencillos, entre ellos "Sentimental Journey" y "My Dreams Are Getting Better All the Time", canciones que alcanzaron el primer puesto de la lista de popularidad estadounidense Billboard Hot 100.
A finales de los años 1940, Day comenzó a participar en audiciones para películas. En 1948 ocurrió su debutó en el cine en la película musical Romance on the High Seas, donde interpretó a Georgia Garrett; para conseguir dicho trabajo compitió con un total de 100 actrices que también querían ese papel. Allí fue dirigida por Michael Curtiz y compartió escena con Jack Carson y Janis Paige.
Para la compañía Warner Brothers, la artista rodó otros musicales, entre ellos Starlift, By the Light of the Silvery Moon y Tea for Two. En 1953 interpretó "Calamity Jane" cuyo título en castellano fue "La liga de oro" y en España: Doris Day en el Oeste, película que ganó el Óscar a la mejor canción original por "Secret Love".

En 1955, recibió algunas de las mejores críticas de su carrera artística por la interpretación de la cantante Ruth Etting en "Quiéreme o déjame", junto a James Cagney. Además de Cagney, Day ha compartido cartel con algunas de estrellas masculinas más importantes de Hollywood, como James Stewart, Cary Grant, David Niven o Clark Gable. En la película de 1956 de Alfred Hitchcock "El hombre que sabía demasiado", cantaba la canción "Whatever Will Be (Que Sera, Sera)", que ganó el Oscar. Según cuenta Jay Livingston (autor de la canción junto a Ray Evans), Day prefería otra canción de la película, "We'll Love Again", e intentó no grabar la canción "Que Sera, Sera". Cuando los estudios le obligaron a grabarla, cedió, pero después de grabar la escena comentó a un amigo de Livingston, "Es la última vez que oirás esta canción". "Que Sera, Sera" se convirtió en la canción identificativa de Day, usado en su película "No os comáis las margaritas" y en la canción de cabecera de su programa de televisión. La canción fue versionada por Sly & the Family Stone en 1973. La actriz protagonizó junto a Richard Widmark el largometraje dirigido por Gene Kelly, The Tunnel of Love (Mi marido se divierte), de 1958. La película le supuso su primera nominación al Globo de Oro por Mejor actriz - Comedia o musical. Posteriormente, actuó junto a Rock Hudson en la comedia romántica Pillow Talk (Confidencias a medianoche) (1959), bajo la dirección de Michael Gordon, también con gran éxito de crítica y taquilla. El papel le trajo su primera y única nominación al premio Óscar en la categoría de Mejor actriz y una nueva candidatura al Globo de Oro Mejor actriz - Comedia o musical. Day y Hudson hicieron otras dos películas juntos ("Pijama para dos" y "No me mandes flores"), trabajó junto a Cary Grant en "Suave como el visón" en 1962, y junto a James Garner hizo otras dos películas, empezando con la cinta de 1963 "Su pequeña aventura". A pesar del paso del tiempo y del cambio de gustos del público, Day se quedó estancada en el mismo tipo de películas. La crítica y el público comenzó a cansarse de la películas que interpretaba. Siguiendo los consejos de su tercer marido, Marty Melcher, interpretó "Capricho" (Caprice (1967)) junto a Richard Harris, y que según la propia actriz es una de sus peores interpretaciones. También asesorada por su marido, Day rechazó el papel de Mrs. Robinson en "El graduado" (papel que fue a parar a manos de Anne Bancroft).

A la muerte de Melcher, Doris descubrió que éste había despilfarrado toda la fortuna de la actriz, dejándola en la quiebra. Doris demandó a Jerry Rosenthal, socio de su marido, por posible estafa, ganándole la demanda y haciéndole pagar una cantidad de 20 millones de dólares. Además, también descubrió que su difunto marido había firmado un contrato para que la actriz realizara una serie de televisión. Entre 1968 y 1973, protagonizó su propia sitcom, "The Doris Day Show", que tenía como canción de cabecera el tema "Que Sera, Sera". Desde que terminó la serie, ha estado prácticamente retirada del mundo del espectáculo.Una memorable actuación fue la que hizo al lado de Kirk. Douglas en "A Young Man with a Horn", en la cual aparece como villana Lauren Bacall y en la que Harry James interpreta la trompeta que simulaba tocar Kirk. El filme no tuvo mucho éxito comercial pero es memorable por las interpretaciones de James y las actuaciones de Doris y Kirk.

Desde que Doris Day's Best Friends llegó a su fin, Day se retiró del mundo del espectáculo. A partir de entonces, se ha dedicado a la promoción de los derechos de los animales. Creó la Liga Animal Doris Day (The Doris Day Animal League) para la protección de los animales en peligro, siendo actualmente una de las más influyentes activistas de ese movimiento. Posteriormente recibió variados reconocimientos por su larga trayectoria. En 1989, por ejemplo, se le otorgó el premio Cecil B. DeMille y en 1991 el premio American Comedy por su contribución a la comedia cinematográfica. En el 2011, saca un álbum llamado:"My heart" , con 87 años.